Playmonumento

Playmonumento. 2015
Fotografía color. 40 x 30 cm.

Desplazamiento, frontera, memoria e identidad.

Trámite de lectura de la tesis de doctorado

Desplazamiento, frontera, memoria e identidad. Análisis desde el arte europeo actual y desde la experiencia práctica de la creación.

Autor: Carlos Suárez Fernández

Director: Francisco Javier Tudela Sáenz de Pipaón

Departamento: Escultura

Lugar: Sala de Investigación del Departamento de Escultura. Facultad de Bellas Artes. Campus de Pontevedra

Hora: 11:00

Fecha: 8 de julio de 2015

Durante el año 2014 millones de personas se han desplazado de su territorio por diferentes razones. ACNUR, Alto Comisionado de Naciones Unidas para los Refugiados, en su informe del último año, Tendencias Globales. Desplazamiento Forzado en 2014, nos ofrece datos de la dimensión de esta tragedia: El desplazamiento forzado global ha experimentado un crecimiento acelerado en 2014, alcanzando una vez más niveles sin precedentes. Durante el año se produjo el nivel de desplazamiento más elevado del que se tiene registro. Al término de 2014, había 59,5 millones de personas desplazadas forzosamente en todo el mundo a consecuencia de la persecución, los conflictos, la violencia generalizada o las violaciones de derechos humanos. Esto son 8,3 millones de personas más que el año anterior 51,2 millones) y el incremento anual más elevado en un solo año.

En esta tesis se presentan algunos aspectos de este drama desde la experiencia de algunos artistas que lo sufren y de otros que lo han considerado un problema de vital importancia y que ocupa parte de su trabajo en el contexto europeo contemporáneo. En Europa, unos 219.000 refugiados y migrantes cruzaron el mar Mediterráneo durante 2014. Eso representa casi tres veces la cifra más alta anteriormente conocida de alrededor de 70.000, registrada en 2011 durante la “Primavera Árabe”. Casi la mitad de estas llegadas procedían de la República Árabe Siria y Eritrea. ACNUR ha recibido información de la muerte o desaparición de más de 3.500 mujeres, hombres y niños en el mar Mediterráneo durante el año, lo que demuestra claramente lo peligrosa e impredecible que se ha vuelto esta situación.

Mother Tongue, 2002. Obra de la artista Zineb Sedira

En esta tesis se da visibilidad a problemas que generamos, padecemos y debemos solucionar como seres humanos. Una de las tareas del arte y de la investigación en Bellas Artes es tratar de aquellos asuntos de interés desde la perspectiva de la creación artística. No es suficiente, pero es necesario. Recientemente he vuelto a ver la obra Mother Tongue de la artista Zineb Sedira. En las dos primeras pantallas la artista habla en francés primero con su madre –que le contesta en árabe- y luego con su hija –que le responde en inglés-; En el tercer monitor se cierra la historia de una incomunicación; Frases sin respuesta, silencios, miradas de incomprensión que abuela y nieta lanzan a la cámara muestran una incomprensión que nos interpela profundamente desde el arte. Con la información que disponemos del año 2015 crece nuestra alarma: El número de refugiados e inmigrantes muertos o desaparecidos en el mar en los 6 primeros meses de 2015 fue de 1.850 mientras que en el mismo período de 2014 fueron 590 personas. Esta cifra llegó a niveles récord en abril de 2015 mientras que disminuyó fuertemente en mayo y junio. Entre enero y marzo de este año hubo 479 muertos o desaparecidos en comparación con los 15 del mismo periodo en 2014. En abril la situación se tornó más dramática aún. Una serie de naufragios encadenados dejó una cifra sin precedentes de 1.308 refugiados e inmigrantes muertos o desaparecidos en un solo mes. Lamentablemente, la pertinencia de esta investigación es incuestionable. (J.Tudela)

Se ha producido un error irreparable.

Se ha producido un error irreparable. 2012-2015

Impresiones sobre papel A4

Por alguna razón los protocolos HTTP fallan y nuestras demandas no se satisfacen. Not found. Cuando esto se produce en el proceso de búsqueda de una página web nos las ingeniamos para dar un rodeo y conseguir nuestro objetivo por otro camino. Y en otras ocasiones nos encontramos con la frase: Se ha producido un error irreparable. Así, en negrita, esto ya son palabras mayores y pasamos de la contrariedad a la lectura de la sentencia. Nuestro equipo informático es tajante, nos pone en evidencia y hasta parece que nos acusa. Las consecuencias de nuestros actos ya no tienen solución. La última decisión y el último gesto no tienen arreglo posible.
He ido recogiendo estos mensajes de mi ordenador como pruebas irrefutables de cada fallo ‘irreparable’ de comunicación. En las viejas agendas tendría que aparecer la misma advertencia al lado de algunos nombres, pero el tiempo es más discreto y silencioso que nuestra tecnología. El tiempo es infinitamente más eficaz e irreversible y no necesita ser tan insolente. J. T.

Instalación para mesa camilla.

Caja de ostras. Instalación para mesa camilla. 2015

Caja de ostras, espejos, muñecos, mesa camilla, monitor TV, secuenciador, 4 cámaras, y materiales diversos.

28x40x11 Piso Dos. 

Exposición

Pontevedra.

Del 17 abril a 9 mayo, 2015

Cristina Brea, Abi Castillo, Rubén R. De Torres, Amaya González Reyes, Rafael Juliana, Holga Méndez, Sandra M.G, Mónica Ortuzar, Antón Sobral, Oscar Scopa, Cé Tomé, Javier Tudela.

Esprit de famille

Benoît Broisat, Belkacem Boudjellouli, Gérard Collin-Thiébaut, Daniel Firman, Joan Fontcuberta, Filip Francis, Anne-Marie Jugnet et Alain Clairet, Man Ray, Javier Tudela, Patrick Van Caeckenbergh

FRAC LANGUEDOC-ROUSSILLON

ÉDUCATION NATIONALE

Commissariat Cyril Bourdois, IA-IPR, et Julie Six, enseignante d’Arts plastiques

Vernissage Jeudi 15 Janvier 2015 à 18h30

Exposition du 16 Janvier au 7 Mars 2015

http://www.fraclr.org/

L’art contemporain est jalonné de reprises, de réinterprétations, de détournements d’œuvres passées. Ces filiations croisées font de l’art une grande famille dans laquelle les artistes s’influencent et s’inspirent les uns les autres. C’est en partant de ce constat que le Frac Languedoc-Roussillon a construit sa prochaine exposition constituée d’œuvres de la collection.

Parfois les références sont ouvertement annoncées, comme étant le point de départ du travail de l’artiste.

Avec Esprit de famille, le Frac a regroupé les enfants terribles de Duchamp, Courbet, Oldenburg (entre autres !), pour redire que les œuvres d’aujourd’hui, aussi déroutantes qu’elles puissent être parfois, résultent d’une filiation qui les inscrit immanquablement dans la grande Histoire de l’art.

Javier TUDELA

Sans titre

de la série : Du livre des contradictions

Paris, janvier 1990

Bois, cirage, colle à bois et agrafe

56 x 18 x 16 cm

Achat à l'artiste en 1992

Javier TUDELA
Sans titre
de la série : Du livre des contradictions
Paris, janvier 1990
Bois, cirage, colle à bois et agrafe
55 x 18 x 17 cm
Achat à l'artiste en 1992

« Le titre de cette exposition est révélateur du lien ténu qui unit les collections du Frac Languedoc Roussillon aux préoccupations des enseignants d’Arts plastiques et de leurs élèves. Parmi ces derniers, ceux qui se confrontent à l’issue de leur année de terminale aux épreuves du Baccalauréat ont été progressivement sensibilisés à l’art contemporain et à ses problématiques les plus actuelles, sous la double forme de la pratique et de la culture artistiques. Qu’ils aient suivi une option facultative, un enseignement de spécialité ou cumulé les deux, leur regard est aiguisé, parfois déjà engagé et souvent très précis. Parmi les trois questions limitatives inscrites au programme du Baccalauréat, une change chaque année ; les œuvres présentées ici ont été sélectionnées « en famille » avec ce programme, y renvoyant directement ou indirectement.

Les élèves de l’académie ont la chance d’être ainsi confrontés aux œuvres de Joan Fontcuberta qui, comme d’autres artistes exposés ici, inscrit sa pratique en filiation duchampienne : précieuses photos de Man Ray, citations directes de Gérard Collin-Thiébaut qui joue aussi avec Courbet, nuages et couchers de soleil superbement superficiels d’Anne-Marie Jugnet et Alain Clairet, surprenante lévitation dansée de Daniel Firman... La banalité transcendée de Belkacem Boudjellouli rejoint étonnamment l’esprit dada de Patrick Van Caeckenbergh, de Filip Francis, de Javier Tudela, de Benoît Broisat et de l’exposition en général... À nous, et aux élèves surtout, de découvrir avec malice les liens qui unissent ces œuvres comme autant de cousins éloignés composent une famille. »

Cyril Bourdois, Inspecteur d’académie-Inspecteur pédagogique régional Arts plastiques

FRAC LANGUEDOC-ROUSSILLON

4, rue Rambaud - BP 11032 - 34006 Montpellier Cedex 1 - 04 99 74 20 35/36 - www.fraclr.org

Du mardi au samedi de 14h à 18h, sauf jours fériés - entrée libre

2015

Anónimo. Sin título. Fecha y lugar de ejecución desconocidos.

Anónimo. Colección de J. Tudela. Donada a la 

Colección Alterarte con motivo del comisariado 

de la exposición Anónimo y otras fechorías sobre 

la autoría en la creación contemporánea.

COLECCIÓN ALTERARTE do Campus de Ourense. Con motivo do 10º aniversario da Sala Alterarte amosaremos as obras que cada artista foi doando a esta colección e que poderemos contemplar no Museo Municipal de Ourense desde o 19 de decembro ata o 22 de febreiro.

Esta talla en madera formaba parte de una modesta colección de obras que fui adquiriendo porque despertaban mi interés y no contenían ninguna marca de autoría reconocible. Desconocemos la identidad del autor, autora, o autores de este objeto y podemos suponer su pertenencia a una tradición no vinculada al mercado contemporáneo del arte; una tradición para la que no tenemos en cuenta la autoría cuando la obra ha salido de su contexto de fabricación y uso. A partir de aquí abrimos un listado de preguntas incómodas:

¿Qué o a quién representa? ¿Tuvo, tiene alguna función? Su carácter preindustrial ¿es real o simulado? ¿Existe alguna semejanza con otros modelos de construir imágenes? ¿Qué consideración social tiene, tenía el autor, autora o autores de esta obra: artesano, escultor, chamán? ¿Qué reconocimiento social tenía en su contexto? Su trabajo, ¿es considerado un oficio? En este caso, ¿está regulada su actividad por algún tipo de academia, sindicato, asociación profesional? ¿Qué autonomía tuvo para la elección del tema? ¿Cómo ha sido pagado? ¿Quién le ha enseñado y cómo aprendió a hacer este trabajo? ¿Hay algún signo en la obra que funciona como una firma aunque no sepamos reconocerla? ¿Tenemos que buscar algún patrón formal, o de representación? ¿Qué pensaba su autor de esta obra? ¿La consideraba un éxito o un fracaso? ¿Qué le ocurrirá a la obra si aparece el autor? (…) ¿Qué le ocurre al universo si hay o no hay un autor?

La actividad del artista, su consideración y notoriedad social están fuertemente trabados en el programa representativo, formal, simbólico y normativo de la obra. El desconocimiento de la autoría nos deja huérfanos de un contexto de legitimación y de herramientas de aproximación al campo en el que se produce. Es muy difícil evaluar los resultados si se ignoran las intenciones y los objetivos de una acción. Es imposible reconocer algo cuando no se ha conocido previamente, en otro tiempo, en otro lugar, de otro modo, de algún modo. Este objeto nos produce extrañeza e inquietud por la distancia de la otredad, por el silencio de su autor y por la necesidad de improvisar un cortejo de acercamiento. J T

El sexo de los carteles

En la página 11 del Diario de Pontevedra  del jueves 20N se informa de la campaña municipal denunciando la violencia contra la mujer, y se invita al debate social. Y, como no puedo dudar de la buena intención con que se ha programado, quiero preguntarme en voz alta porqué  ha provocado cierta indignación la aparición de los carteles de gran formato con insultos a la mujer en las calles de Pontevedra como parte de esta campaña.

1º.- ¿CÓMO SE ANUNCIA? El soporte es institucional, situado en puntos estratégicos de la ciudad, subvencionado con fondos públicos, avalado por los órganos de gobierno y elaborado tipográficamente con exquisito cuidado. Todo ello aumenta la intensidad del impacto: una imagen poderosa suscita credibilidad espontánea.

2º.- ¿DÓNDE SE ANUNCIA? Los soportes callejeros de gran tamaño que muestran los carteles tienen dos caras, sucediendo a menudo que la que acompaña en su reverso, coincide casualmente con otra campaña basada en imágenes de mujeres de agradable presencia anunciado ropa selecta. Este azar imprevisto invita a una perversa lectura sucesiva de las dos imágenes, porque el lugar del anuncio es siempre parte de su mensaje.

3º.- ¿A QUIÉN VA DIRIGIDO?  La imagen pública no puede discriminar franjas de viandantes, por lo que introducir en el paisaje visual urbano imágenes violentas supone que determinados grupos de población sin capacidad de respuesta crítica van a ser afectados innecesariamente por no saber  interpretarlas fácilmente.

4º.- ¿CÓMO SE DESCIFRA? Los signos de código rápido requieren sólo fracciones de segundo. La cantidad y la acumulación de señales visuales en los trayectos urbanos han configurado hábitos de alerta tales que la primera impresión visual tiende a ocultar segundas lecturas. De forma que si, gracias a la habilidad tipográfica, en la misma imagen se presenta el rostro de una mujer y el insulto, y además cuando ese rostro está materialmente dentro de las letras del insulto, no hay posibilidad de separar las dos realidades. En esta identificación reside la vehemencia del impacto que por su brusquedad no permite ya esa segunda lectura, aunque se ofrezca en una letra pequeña apenas imperceptible.

4º.- ¿QUÉ SE ANUNCIA? Se dice en la página antes citada que  el objetivo del encargo publicitario era “visibilizar las muertes de mujeres a causa de la violencia”, y se explica que para desarrollar la propuesta se centró la atención en el momento de la provocación verbal anterior al castigo físico. Pero el resultado es el opuesto a lo que se intenta rechazar porque se aumenta el volumen del grito del futuro asesino y se proclaman con absoluta claridad las razones que aconsejan el feminicidio, contenidas en los tres insultos que componen la campaña.

5º.- ¿QUÉ SE PROPONE? Si el deseo es denunciar al maltratador asesino de mujeres no debería nunca facilitarse el megáfono público a sus bravatas criminales sino todo lo contrario, es decir, arrinconarlo socialmente. Para ello no son pocos quienes cambiarían en todos los carteles de esta campaña la última letra del insulto, que ahora es la A, por una O mayúscula sobreimpresa para señalar al homicida. Cambiaría así también el protagonista, arrebatando el megáfono al canalla y devolviéndolo a la sociedad civil. Ninguna mujer se merece el calificativo que corresponde a su verdugo.

 

6º.- ¿HAY OTRA MANERA?  Con motivo de esta campaña sería bueno debatir si se prefiere otra manera de denunciar que no utilice el reclamo provocativo del insulto, que en sí ya es una injuria intolerable. Bastaría quizás con idear el mensaje desde la mujer y no desde su agresor, desde la única premisa de la dignidad y los valores de la mujer, nunca desde la confirmación de su maltrato homicida, aunque exista tal horror, por la simple razón que la imagen pública de las ofensas, sean verbales o físicas, tantas veces utilizadas en las campañas, no logran sino certificar socialmente su práctica, y multiplicar la invitación a imitarla.

Juan Fernando de Laiglesia, Marta Díaz, Ángela Rodríguez, Javier Tudela, Juan Luis Moraza, Sol Alonso, Mónica Ortuzar.

Violencia invisible, producción artística y explotación económica

Dos aproximaciones a la producción artística: en el primer caso considerada como actividad manual, y en el segundo en el contexto actual ‘postfordista’; de las dos parece extraerse la misma conclusión y nos dan que pensar.

Violencia invisible es una exposición que podemos visitar en Artium, Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo, Vitoria-Gasteiz. Comisarios: Zoran Erić, Blanca de la Torre y Seamus Kealy. Nos detenemos en la instalación de Milica Tomic, RE-ASSEMBLIG. El arte y su relación con el trabajo.

http://www.artium.org/Castellano/Exposiciones/Exposicion/tabid/176/language/es-ES/Default.aspx?pidExposicion=262
En Brumaria encontramos la reseña de un libro de Pascal Gielen: El murmullo de la multitud artística. Arte global, política y posfordismo. http://brumaria.tictail.com/product/31

Violencia invisible no es una exposición sobre formas de violencia explícita, aunque puedan aparecer o intuirse algunos conflictos como telón de fondo y formando parte de los contextos culturales, geopolíticos o económicos. Casi todas las obras exploran elementos que están incorporados a los dispositivos del lenguaje y a los medios de la representación en nuestro espacio cotidiano. “Este proyecto analiza la denominada «violencia invisible» del día a día tal y como se hace manifiesta en la vida cotidiana, doméstica y laboral; la violencia administrativa y burocrática; la violencia visual en la publicidad y los medios de comunicación, a la vez que plantea algunas formas sutiles de sectarismo y animosidad colectiva a partir de circunstancias históricas recientes. Se trata de unas formas de violencia que, sin ninguna duda, son omnipresentes a escala global. Las comparaciones de estos tipos de violencia se estudian reuniendo obras de artistas que polemizan sobre asuntos territoriales, nacionalistas, mitológicos y relacionados con la identidad, sin caer en representaciones dualistas, segmentadas o contrapuestas.”

Particularmente se hace énfasis en el caso de la construcción de un sector público y una ciudadanía europea; nos situamos en un nuevo contexto normativo y sociopolítico: “nos enfrentamos a una situación en la que las recientes normas, legislaciones y acuerdos interestatales promulgados en el seno de la Unión Europea podrían sembrar el germen de unas nuevas clases de violencia. En resumidas cuentas, la finalidad última de este proyecto es poner de relieve los aspectos universalizadores de las nuevas formas de violencia invisible que se están imponiendo ahora mismo en la totalidad de Europa; unas formas de violencia que cabría calificar como una grave amenaza para el establecimiento de unos ideales igualitarios de ciudadanía en el marco europeo.”

La exposición requiere tiempo y calma. Abunda la documentación gráfica y audiovisual y resultan inquietantes las experiencias y los acontecimientos que nos señalan otras direcciones que van más allá del asunto que estamos tratando aquí. Para esta entrada elegimos el trabajo de Milica Tomic, en su instalación RE-ASSEMBLIG. El arte y su relación con el trabajo. En los documentos dispuestos en las mesas de consulta, la artista nos ofrece ejemplos de producción participativa de una obra y aborda el modo en que el arte forma parte de  los procesos de producción. Con su proyecto quiere investigar la relación que se establece con la economía, la política y el trabajo manual. Podemos entender que el arte sirve para tejer redes de explotación, mantiene espacios de control incluso dentro de modelos de autoría colectiva y, pese a la apariencia de  funcionar como una práctica democrática emancipadora, se organiza de modo similar a los sistemas de participación de la sociedad civil y pueden llegar a tomarse como metáfora de las estructuras parlamentarias.

Esta idea referida a las prácticas artísticas y el trabajo manual nos permite dar un salto y preguntarnos por otras formas de producción. En la sinopsis del libro de Pascal Gielen: El murmullo de la multitud artística. Arte global, política y posfordismo encontramos ideas que están muy cerca de las que habíamos entresacado del trabajo de Milica Tomic: “«Dinamismo», «movilidad», «adaptabilidad», «horarios flexibles», «proyectos», «contratos temporales» donde los hubiere… «libertad ilimitada». Son expresiones comunes a día de hoy, y forman parte de la idiosincrasia del mundo del arte y del vasto sector de profesiones creativas. En El murmullo de la multitud artística Pascal Gielen defiende la hipótesis de que la escena artística global es una entidad de producción perfecta para la explotación económica. La industria cultural capitaliza la ética e idiosincrasia típicas del mundo del arte, con lo que este se ha convertido en un modelo estandarizado de producción. Los gobiernos abrazan ese modelo y lo aplican sin titubear a la economía de mercado neoliberal que domina a nivel global.”

Tendremos que detenernos más tiempo en ambas obras para comprobar la intuición inicial de que independientemente del contexto de producción de la actividad artística, artesanal o 'postfordista', la creación artística es un caldo de cultivo ideal y modelo de la explotación económica. J T

Aproximación a un modelo de Transferencia en Bellas Artes

Coordinación: Juan Carlos Román y Javier Tudela
Fecha: 6 y 7 de noviembre de 2014
Ver Informe de las Jornadas

Lugar: Casa das Campás (Vicerrectoría del Campus de Pontevedra, Rúa don Filiberto 9-11)
y Facultad de Bellas Artes (Rúa Maestranza, 2)
Contacto: baliza.arte@uvigo.es
http://campusdomar.es/wp-content/uploads/2014/10/Programa-APROXIMACION-A-UN-MODE-LO-DE-TRANSFERENCIA-EN-BBAA.pdf

El protagonismo de la investigación se ha desplazado hacia la Transferencia y no podemos dejar de cuestionar este concepto y sus consecuencias para nuestro campo de conocimiento. En el seminario Aproximación a un modelo de Transferencia en Bellas Artes presentamos tres hipótesis de trabajo; tres modelos de arte y transferencia que abordaremos en dos sesiones:

Durante la primera jornada se debatirá cómo el arte y la creación se transforman en patrimonio, y más concretamente en las cadenas de valor de las sociedades del conocimiento. Se señalarán correlaciones que estratégicamente han establecido vínculos entre sí, y que parten, inicialmente, del diálogo entre universidades, museos y sociedad civil. El objetivo fundamental es ver modelos de transferencia y estudiar proyectos que se están iniciando, así como señalar el interés del arte como legado, y potenciar tanto su conocimiento como su carácter simbólico.

Una segunda sesión analizará dos casos de interacción entre arte e innovación. En primer lugar, abordaremos cómo la transferencia de recursos tecnológicos hacia la empresa -pública y privada- se ha materializado en nuestro ámbito de conocimiento mediante la aplicación de procedimientos y técnicas artísticas y ha sido una práctica habitual vinculada a las destrezas, habilidades y saberes de los artistas. En esta línea situamos la vigencia de los centros de recursos tecnológicos y las nuevas tecnologías de representación como una posibilidad de actualización y desarrollo profesional de nuestros egresados. Pero este no es el único camino; consideramos que la experiencia en los procesos de creación artística es un valor en sí mismo y tiene un enorme potencial retroalimentando las logísticas, las infraestructuras y los resultados de las empresas. Revisaremos algunos modelos que se han ensayado y plantearemos la viabilidad de una spin-off desde las Bellas Artes.

Intentamos salvar los obstáculos para el funcionamiento del arte en el marco universitario y establecer reglas de juego transparentes en el cruce de intereses públicos y privados. Hay muchos retos y buscamos un diálogo abierto entre diferentes actores de la gestión universitaria, la empresa, el coleccionismo público y privado, la mediación cultural y la mediación universidad-empresa para establecer redes de colaboración y sinergias con nuestro contexto social.